martes, 11 de abril de 2017

LA ÚLTIMA SESIÓN: POLLOCK



BERNINI: RAPTO DE PROSERPINA


Ante mí se presenta una de las obras que, a mi parecer es de las más impresionantes obras de escultura del barroco. El rapto de Proserpina realizada entre los años 1621 y 1622  por el polifacético artista Gianni Lorenzo Bernini (1598-1680), pertenece al conjunto de los cuatro grupos borghesianos encargados por el cardenal Scipione Borghese: Eneas, Anquises y Ascanio, David y Apolo y Dafne; actualmente conservada en la Galería Borghese de Roma, Italia.
Lo cierto es que la mitología es un tema que capta muy fácilmente mi atención, pero si hay algo de esta escultura que sin duda me eriza, es la técnica, las formas, la manera en la cual el mármol se acaricia a sí mismo y cobra vida. Observando la obra desde una perspectiva frontal, vemos a la izquierda a Plutón, Hades en la mitología griega, con la pierna izquierda adelantada, con el cuerpo en desequilibrio y la parte superior en tensión. Su rostro está concentrado y es violento, la musculatura está perfectamente esculpida y limada y sus brazos ahogan a Proserpina. Ambos desnudos, pues el nudo de la obra parece no pretender ser técnico. Ella se niega. Mira hacia el frente. Pide auxilio con los ojos, se retuerce y forcejea pero está atada. La jerarquía de fueras está ya muy determinada y la propia obra no solo nos consigue ilustrar perfectamente la escena de ese momento, sino que logra mostrarnos el instante anterior y el inmediatamente posterior. Gira su cuerpo, es rápido y trata de apartarle con el brazo, mientras con la mirada busca alternativa, pero para mí que todo el mundo vuelve la cabeza y mira a sus zapatos. El hecho de que ella este levantada del suelo y a una altura mayor, la muestra como un personaje débil y etéreo que sin la fuerza que le proporciona el estar en contacto con el suelo o con una base, no va a vencer, sin embargo él no sólo está apoyado, sino que además en una posición de estabilidad para ejercer la mayor fuerza posible. Para mí sin duda la visión más impresionante e impactante es la perspectiva de la derecha, en ella Proserpina, teme, llora y relaja su pierna, asumiendo la derrota injusta, mientras Plutón le agarra el muslo y la cintura forzando a su piel a adaptarse a sus dedos y a abrazar la carne y la pega a su cuerpo con una fuerza tan basta y violenta que se asemeja idénticamente a una escena con cuerpos vivos y es realmente escalofriante. Abajo, destaca la figura del Can Cerebero, que ladra y nos da a entender que algo brutal y desgarrador esta sucediendo. En esta imagen, además de ver a Proserpina, veo a muchas mujeres y además de ver a Plutón veo a muchos hombres, con la misma condena de los hechos y eso me cierra el estómago y me embarga el alma. Creo que esta escultura, fuera del poderío técnico del que Bernini hace gala en todos los aspectos de su trabajo, muestra muchos otros poderes. Tiene un inmenso atractivo estético, que produce el fenómeno en el humano sensible, que envuelve completamente a la obra con el espectador y lo hace partícipe de una situación con una tensión brutal en la que su decisión parece imprescindible y además tiene el absoluto control sobre el éste y las emociones intrínsecas en el mármol que le causa. Para mí personalmente, es una de mis obras escultóricas favoritas, porque aun hoy, aun si tener idea de la historia de camino a los infiernos que tiene tras de sí, o incluso sin estudiar en detalle las capacidades técnicas del autor, es capaz de ofrecerse a todos los tipos de miradas y provocar en cada una de ellas reacciones, exteriorizadas o no, y eso me parece sublime.
Solo hace falta mirar la figura, la fuerza, la decisión y la victoria de él en sus músculos tensos.
Solo hace falta hundirse en los ojos de ella dejarse ahogar por el gentil y más atroz de los miedos.


Julia Medina de Frutos

viernes, 24 de marzo de 2017

JORNADA DE INMERSIÓN EN LA ACTIVIDAD ARTÍSTICA ACTUAL




Arco alumnos 2017 de ARTURO CABALLERO


En horario de mañana y tarde del día 28 de marzo se celebró la Jornada de Inmersión en el Arte Actual en doble sede: Sala de Juntas de la Facultad de Filosofía y Letras y Biblioteca del I.E.S. Delicias.


LA MAÑANA

PRESENTACIÓN

La presentación corrió a cargo de D. José Miguel Martín Álvarez, Jefe de Área de Bachilleratos de Innovación/Excelencia de la Universidad de Valladolid (centro) acompañado de D. Javier Castán, responsable del Departamento de Historia del Arte (izquierda) y de D. Arturo Caballero, responsable del I.E.S. Delicias (derecha)



MARÍA TERESA ALARIO

La primera intervención fue desarrollada brillantemente por Dña. María Teresa Alario,  profesora del Departamento de Historia del Arte de la Facultad que disertó sobre La definición del Arte en la actualidad, en la que expuso un documentado panorama de los movimientos artísticos desarrollados a partir de los años sesenta del siglo pasado dando especial relevancia al papel desempeñado por las mujeres en estas aventuras creativas (en la fotografía superior aparece con la directora del I.E.S. Delicias, Dña. Rosa Díez y pueden verse, en la presentación adjunta, los documentos de apoyo utilizados , que nos ha cedido para su publicación, lo que expresamente agradecemos).



El arte en la actualidad


JAVIER SILVA

La segunda intervención corrió a cargo del galerista Javier Silva quien transmitió a los alumnos la compleja y difícil tarea de la comercialización del arte actual con los problemas derivados del escasamente desarrollado contexto de coleccionismo en nuestra ciudad. A través de sus palabras empezaron a comprender cómo el Arte no es sólo creatividad sino que presenta una faceta económica sobre la que generalmente no se reflexiona. En la imagen aparece recibiendo un recuerdo de los alumnos del Biex del I.E.S. Delicias perteneciente a una alumna de la promoción que se graduó en 2016.


LOS PROTAGONISTAS: LOS ALUMNOS

En diferentes momentos de la mañana los alumnos fueron exponiendo las obras que habían seleccionado en la visita a Arco insistiendo en la formación de los autores y explicando los motivos que les habían llevado a la selección de esculturas, pinturas, instalacciones, etc... que pueden verse en la presentación al comienzo de esta entrada.


LA TARDE

 PABLO COCA
Continuando con el proyecto de formación de nuestros alumnos a cargo de expertos en sus respectivas materias ajenos al profesorado del centro, le tocó el turno a D. Pablo Coca, encargado del Departamento de Educación del Museo de Arte Contemporáneo Español Patio Herreriano quien expuso en una concisa, directa y amena charla la evolución histórica de los museos hasta llegar a la consagración definitiva del concepto del moderno museo de arte contemporáneo en el M.O.M.A. modelo que está puesto en entredicho en la actualidad.



SIEMPRE LOS ALUMNOS


Resulta obvio decir que todo proyecto educativo se fundamenta en los alumnos. Son ellos quienes van progresivamente asumiendo protagonismo con sus intervenciones en la esperanza de que con su esfuerzo y nuestra ayuda se terminen convirtiendo en un próximo futuro en los artistas, críticos, historiadores y galeristas de nuestra comunidad.


DE PADRES, ALUMNOS, PROFESORES Y AUTORIDADES


Desde el Bachillerato de Investigación y Excelencia en Artes del I.E.S. Delicias propugnamos una enseñanza abierta que suponga un cierto género de transferencia educativa con presencia de nuestros alumnos en la Facultad de Filosofía y Letras y la visita a nuestro centro de profesores externos. En esta línea también se enmarca la proyección del trabajo escolar y las actividades complementarias de nuestros alumnos hacia la sociedad a la que pertenecemos; es por ello por lo que la visita a nuestras dependencias de los padres y de los responsables educativos supone un respaldo pero también un examen de nuestro trabajo. En la fotografía aparecen, de izquierda a derecha, D. Juan Carlos Sanz Bachiller, Inspector Jefe de la Dirección Provincial de Valladolid; D. José Miguel Martín Álvarez, Jefe de Área del Bachillerato de Investigación y Excelencia de la Universidad de Valladolid; D. Ángel Miguel Vega Santos, Director General de Política Educativa Escolar de Consejería de Educación de la Junta de Castilla y León; Dña. María Agustina García Muñoz, Directora Provincial de Educación de Valladolid y profesores del Instituto Delicias.


GERMÁN G. SINOVA


En colaboración con el programa CREAVA del Ayuntamiento de Valladolid, el Espacio Creativo GaBe muestra estos días una selección de fotografías y libros de autor de Germán Sinova bajo el título Re/Visión. El artista tuvo la deferencia de cerrar la jornada con una reflexión sobre su proceso creativo que completaba, de forma práctica, los componentes teóricos que habían marcado las intervenciones anteriores.


El reportaje fotográfico es del alumno Sergio Lario

miércoles, 15 de marzo de 2017

jueves, 9 de febrero de 2017

LA ARQUITECTURA MODERNA

Alisa Zinóvievna Rosenbaum (1905-1982) nació y se formó en la Rusia revolucionaria. En 1925 consiguió viajar a Estados Unidos de donde nunca volvería. Fue una "egoísta racional" que en sus escritos filosóficos, sus novelas y sus guiones cinematográficos exaltó los ideales del individuo frente a los del colectivismo que había conocido de primera mano.Ya como Ayn Rand publicó, en 1943, El manantial que sería llevado al cine en 1949 por King Vidor. Toda la ideología de Rand aparece de forma diáfana aplicada a un arquitecto lejanamente inspirado en la figura de Frank Lloyd Wright. Además de un alegato a favor de la creatividad, la novela y la película realizan algunas reflexiones interesantes sobre la arquitectura moderna.

 

martes, 7 de febrero de 2017

MATISSE - ALEGRÍA DE VIVIR - ALICIA GÓMEZ


Pintura al óleo sobre lienzo, muy llamativa por la utilización de colores puros y complementarios. Se trata de una composición sin ninguna ley de perspectiva o volumen, llena de figuras, independientes unas de otras.

En cuanto a la composición, la perspectiva no juega ningún papel, es más bien nula. Aunque es cierto que sí existe un cierto amago de perspectiva entre las figuras del fondo y del frente, lo único distinguible en la obra es una escena que se desarrolla tanto en el frente como en el fondo.

Las luces y las sombras no existen, hay una contraposición de colores complementarios, pero lo único que hacen es resaltarse unos a otros.

También podemos observar que todas las figuras están delineadas y que no siguen los cánones de proporción establecidos a lo largo de la historia del arte.

La fecha de realización es entre 1905 y 1906, cuando comenzó el movimiento fauvista. Es una de las primeras y más representativas obras de dicho movimiento. Encarna todas las características generales tales como la exaltación del color puro, el rechazo de la perspectiva y el volumen, el abandono del estudio de la luz y el naturalismo impresionistas, etc. Se aprecian las influencias del divisionismo, los colores puros de Seurat, también de las pinturas de Van Gogh, que sabemos que delineaba todos sus dibujos y la no utilización del negro de los impresionistas y en su lugar utilizar los colores complementarios.

Lo determinante en esta pintura y asimismo en todo el movimiento fauvista y la obra de Matisse es la búsqueda de un arte creado por manchas de color que se combinen armónicamente al mismo tiempo que se influyen y se condicionan.

Matisse poseía una gran fuerza pictórica en estas primeras obras de 1905. Enfrenta rojos con verdes, amarillos con violetas, etc. Su visión del arte era la de una composición en la que disponer de manera decorativa los diversos elementos sin importar el tema, como él mismo solía decir: ”la relación entre los diferentes tonos ha de establecerse de manera que sea capaz de exaltarlos en vez de anularlos.” Buscaba un arte equilibrado, apacible, un arte que fuera agradable a la vista, como un calmante cerebral.

Aunque no hay que engañarse, esta obra, aún pareciendo tan simple a primera vista, lleva detrás todo un estudio del color, de la forma y de la distribución de los elementos en la composición, una búsqueda del equilibrio que anhelaba Matisse. Es una síntesis de colores vivos y vibrantes que se complementan entre sí y hacen que la composición sea tan agradable y armónica a nuestros ojos.


El movimiento Fauve fue el primero de lo que denominamos vanguardias del siglo XX, apenas duró el tiempo que va de 1905 a 1907, pero aunque se manifestó de forma fugaz, lo hizo muy vivamente. 

MAN RAY - OBJETO INDESTRUCTIBLE - LAURA REYES



La fotografía muestra la imagen de un antiguo y algo deteriorado metrónomo de madera y metal,  a cuya aguja se le ha añadido la fotografía analógica en blanco y negro de un ojo aparentemente femenino.

Esta obra del artista estadounidense Man Ray fue concebida según los ideales del Dadaísmo, iniciado por Marcel Duchamp empleando la técnica del “ready made”, por la cual el objeto cotidiano se descontextualiza y se eleva al rango de obra artística.

Aunque sin llegar al radicalismo de Duchamp en su obra “Fuente”,  comparte ese mismo concepto en Objeto Indestructible, el artista realiza una metáfora que bien puede deberse a su propia experiencia sentimental.

Esta obra en concreto parece pertenecer a una última etapa de evolución de la idea del artista sobre el mismo concepto. Man Ray realiza una obra con características casi idénticas en 1923 con un metrónomo de 26cm de altura y con una fotografía de un ojo femenino anónimo, a la cual titula Objeto para ser destruido  con la idea destructiva e hipnotizante del amor y el paso del tiempo. Años más tarde su amante Lee Miller lo abandona y en 1932 reinterpreta su obra para llevarla al campo del desamor y el dolor que este provoca sustituyendo el ojo anónimo por el de ella, como si quisiera atraer a su ámbito personal una obra realizada anteriormente de forma genérica y universal pero a la que dota de unas “instrucciones de uso” para el espectador en las que refleja la rabia: colocar la fotografía del ojo de la persona a la que se ha amado en la aguja del metrónomo, observarlo hasta que  resulte insoportable para finalmente proceder a destruirlo con un martillo, de un solo golpe.
A esta obra la titula Objeto de destrucción. Estas “reglas del  juego” fueron tomadas al pie de la letra por unos estudiantes que visitaron su obra en París y la destruyeron.  En vista de este suceso Man Ray reconstruye 100 réplicas de su obra, en una especie de intento de divulgación y reproducción en masa de la misma para restar su valor económico y sumar su valor simbólico e irónico pues las denominó: “Objetos Indestructibles”.

Con todas estas características evolutivas y de realización de la obra resultante, encaja a la perfección con el movimiento vanguardista en el que se incluye.

Pero la disciplina artística que principalmente hizo a Man Ray un icono a caballo entre el Dadaísmo y el surrealismo fue la fotografía, mediante la cual también lograba transmitir el absurdo de las convenciones rechazadas por los dadaístas, plasmando con imágenes en la realidad alguna metáforas poéticas, tal como hizo Salvador Dalí en sus Labios de rubí. Con esta idea Man Ray realiza hermosas solarizaciones y rayogramas como El violín de Ingres o Lágrimas de vidrio e inquietantes fotografías como Regalo donde se muestra una plancha cuya superficie es turbada por una fila de clavos afilados.

Para los dadaístas la obra deja de ser algo sublime y objeto de culto que es admirado y valorado por su dificultad de realización, si no que la obra de arte lo es en sí porque así lo ha decidido el artista o el espectador.

Eran revolucionarios que reaccionaban contra los convencionalismos burlándose de ellos por lo que practicaban lo que ellos denominaban anti arte  que podría traducirse en la realización de obras llenas de absurdo y meras provocaciones que incitaran al escándalo, lo que se reflejó perfectamente en el “ready made”.

viernes, 20 de enero de 2017

MIÉRCOLES 25: EL LOCO DEL PELO ROJO


El loco del pelo rojo (Lust for life en su versión original que podríamos traducir como pasión por vivir o anhelo de vivir) es un film de 1956 dirigido por Vicente Minelli que va mucho más allá del mero "biopic" sobre Van Gogh. Minelli, apoyado en el texto original de Irving Stone (que usba, a su vez, la Cartas de Van Gogh), recoge -de modo satisfactorio- los aspectos fundamentales en torno a los que se movía la creación artística de finales del XIX que hemos estudiado en Fundamentos de Arte II.
Como guía de trabajo os presento planos en los que se trata de estos asuntos.
Son ellos, además de la relación de Vincent con Theo y con Gauguin y el propio carácter del artista, los que deben proporcionaros la base para el comentario que debéis colgar.
Descargar las imágenes, recortadlas, pegad cada una en una cuartilla y tenedlas a mano durante la proyección.


Sobre la recepción de la obra de Van Gogh:

“Hasta el último año de la vida de Van Gogh sus obras fueron expuestas con poca frecuencia, aunque Theo había mandado unos cuantos cuadros a los Independientes en 1888 y 1889. En 1890 fue invitado a participar en la exposición de Les XX en Bruselas, donde la única pintura que vendió nunca, su Viñas rojas en Arles (Moscú), la vio la pintora belga Anna Boch (1848-1935), que la adquirió luego. En enero apareció en el Mercure de France el artículo de Albert Aurier "Les isolés-Vincent Van Gogh», Esta primera y única crítica publicada sobre Van Gogh durante su vida, fue reimpresa en L'Art moderne (Bruselas) y contribuyó a despertar el interés y el antagonismo por su obra. Mandó, aunque demasiado tarde, esa misma primavera a los Independientes de París, diez pinturas para que se pudiera apreciar la extensión de su talento. Su prodigiosa influencia sobre la pintura del siglo XX proviene de las exposiciones organizadas después de 1900. La primera exposición retrospectiva en Bernheim-Jeune de París, en 1901, fue un factor importante en el desarrollo del Fauvismo, reforzado por otra en los Independientes de 1905. Las exposiciones en Amsterdam (1905) y en el Sonderbund en Colonia (1912) y Berlín (1914) confirmó su puesto entre los pintores de Alemania y Europa del Norte. Su influencia alcanzó el mundo de habla inglesa en 1910 con la exposición post-imresionista de Londres, y con el Armory Show de Nueva York en 1913. Nuestro conocimiento de su vida y de sus obras se debe, sobre todo, a la devoción, primero, de la viuda de Theo, Johanna Van Gogh-Bonger y, más tarde, a la del hijo de éstos, Ir V. W. Van Gogh de Laren, que publicaron sus cartas y prestaron cuadros de su gran colección a innumerables exposiciones en todo el mundo.”

HAMILTON, George Heard. Pintura y escultura en Europa 1880-1940. Ediciones Cátedra. Madrid, 1980. P. 107.

Los alumnos trabajando en clase.

RECREANDO UNA CIUDAD MUSULMANA