LA VIRGEN DEL CANÓNICO DE VAN DER PAELE: Nos encontramos ante una pintura flamenca, evidentemente religiosa, realizada en óleo sobre tabla en 1436. Fue realizada por el pintor Jan Van Eyck y actualmente se encuentra en el museo Groeninge en Brujas, Bélgica. Al igual que el románico, la temática es religiosa o aristocrática, en este caso la primera, y las figuras visten con ropajes ricos y contemporáneos. Muchos historiadores afirman que lo que le cuadro quiere representar es una sagrada conversación ya que en el cuadro encontramos a el canónigo Van der Paele arrodillado (donante de la obra), que es presentado a la Virgen María y al niño Jesús por San Jorge a un extremo del trono. En el otro lado encontramos al arzobispo Donacio de Reims que es el patrón del capítulo en el que sucede esta historia y de la ciudad de Brujas. Tanto él como el santo, son intermediarios entre la Virgen y el canónigo. Por esta razón dicen que es una conversación sagrada, además de que la obra tiene muchos detalles con un sentido simbólico teológico. Podemos ver un colorido explosivo, en el que el color predominante es el marrón en una gran variedad de gamas y tonos que reflejan perfectamente la tridimensionalidad, la perspectiva y la profundidad de la obra. Destaca el color rojo del manto de la Virgen, el azul de la túnica del arzobispo Donacio y la vestimenta blanca del canónigo. Podemos observar mucho detallismo en los objetos y un realismo increíble a la hora de hacer los pliegues de las telas de las vestimentas y de la alfombra y las arrugas faciales del canónigo que demuestran su avanzada edad. Se pueden ver matices blancos que aportan luminosidad y volumen a la pintura.
Investigué sobre la historia del patrón y me aparecían unas cuantas historias de muchos patrones, cada uno en un capítulo del libro. Lo que he querido explicar es que el conjunto de relatos de los patrones y santos es el libro y que cada historia es un capítulo. El fallo es que no lo he explicado con claridad
En la imagen superior podemos observar una pintura perteneciente a la época del gótico (pintura flamenca S. XV). En concreto, es la Virgen del canónigo Van der Paele, pintura realizada por Jan van Eyck en 1436.
Se trata de una pintura religiosa en óleo sobre tabla. La obra tiene unos colores fuertes que dan sensación de frío y alejamiento al usar tonos azules, pero con el rojo da a su vez una sensación cálida y de acercamiento de la virgen. Sabemos que hay volumen porque nos podemos fijar en el trono y en el entorno como, con una graduación tonal correcta da la sensación de estar al fondo del escenario de la obra. En cuanto a la luz, se podría decir que está entrando por la ventana del fondo de la sala, aparte, se pueden ver los detalles de las sombras en el rostro de los personajes. La composición de la obra está en equilibrio, podemos ver como los personajes están colocados con cierto orden, serenidad y naturalismo, destaca en el rostro de las figuras que requiere una gran precisión en los retratos. Además, Jan van Eyck representa muy bien la gran calidad de las telas, que se plasman con gran brillo y plasticidad.
La escena quizás se desarrolla en un edificio románico, en el ábside de una iglesia. A nuestra derecha aparece el comitente o donante el cual no se dirige directamente a la Virgen sin intermediarios, sino que aparece presentado por un santo, San Jorge, quien se quita con galantería el casco. En el rostro del canónigo envejecido aparece un buen número de patologías como la arteritis temporal, es un ejemplo de lo detallista que puede llegar a ser el pintor. Vestido de blanco, se arrodilla a la izquierda del trono de María. Tiene abierto un libro de oraciones y lleva un instrumento óptico, signo de riqueza, en sus manos. Al otro lado está el arzobispo Donaciano de Reims, patrón de la ciudad de Brujas. Tanto Donaciano como Jorge actúan como intermediarios entre el canónigo Van der Paelen y la Virgen. Debido a esto la pintura es frecuentemente descrita como una sagrada conversación. Entre ellos, y como centro del cuadro, aparece la Virgen, que lleva un manto rojo y tiene al Niño en su regazo.
La rueda con las velas encendidas que lleva san Donaciano se refiere a un milagro de su juventud. En su otra mano lleva una cruz. Se transmite un mensaje de que «Cristo está entre nosotros». En el trono de María están tallados pasajes del Antiguo Testamento. El manto rojo de la Virgen se refleja en la brillante armadura de San Jorge. Este reflejo tiene también una alusión simbólica a María como «inmaculado espejo de Dios».
La pintura probablemente tenía una función funeraria y debía estar destinada a colocarse cerca de la tumba del comitente.
Esta tabla tiene una posición muy particular en la historia de la pintura occidental, al tratarse de uno de los primeros ejemplos del género denominado sacra conversazione (sagrada conversación): una pintura en la que se representa a la Virgen con el Niño junto con dos o más santos, representados de una manera realista como si estuvieran manteniendo una conversación cotidiana; y junto a ellos, a veces, los donantes de la obra, dentro de la misma escena, pero en una posición subordinada, como orantes.
Lo que más me ha llamado la atención de esta pintura es la capacidad del autor para dar ese realismo a toda la composición y como ha cuidado cada detalle de esta.
A finales del siglo XII las condiciones de vida en Europa cambiaron: la economía mejoró, la población aumentó y las ciudades iniciaron su desarrollo. En el arte, estos cambios supusieron el cambio del Románico al Gótico. La pintura gótica se caracteriza por la búsqueda de un realismo superior al de los estilos anteriores y la práctica de una técnica poco utilizada hasta la fecha: la pintura a óleo sobre tabla. Durante los siglos en los que se desarrolló, se fueron diferenciando varios estilos, distinguiéndose fácilmente la pintura realizada en la zona del sur de Italia y la realizada en los Países Bajos y sus proximidades. En el siglo XV destacó un pintor flamenco: Jan van Eyck.
La Virgen del canónigo (Joris) Van der Paele es un óleo sobre tabla realizado por van Eyck que data del año 1436. La temática de la obra es religiosa, al igual que la mayoría de las representaciones artísticas de la época. En el centro de la composición encontramos a la Virgen, en un trono con el niño sentado en su regazo. A la izquierda de la Virgen, aparece un arzobispo, el patrón de la ciudad de Brujas. A la derecha, dos personajes: San Jorge y el canónigo Van der Paele. La Virgen viste un manto rojo, color que representa el amor; en el trono donde se sienta, aparecen dos detalles escultóricos de temática bíblica (Sansón y el león y Caín matando a Abel). El niño aparece desnudo, sobre una tela blanca, color de la pureza. El arzobispo se cubre con un manto azul, color comúnmente asociado a Dios y el poder; decorado con dorado, color divino. Con una mano, sujeta una cruz de oro, con la otra, una rueda con cinco velas encendidas. En el extremo derecho, san Jorge viste una armadura, lleva una espada y su bandera, con la cruz roja sobre el fondo blanco. Entre San Jorge y la Virgen, el canónigo vestido de blanco. Mientras los personajes de los extremos se encuentran de pie, él aparece arrodillado, en actitud de sumisión ante la Virgen. En las manos sostiene un libro de oraciones. Este cuadro se puede catalogar como un claro ejemplo de lo que será la “sacra conversación” típica del Renacimiento -no hay que olvidar que el Renacimiento en Italia ya había comenzado cuando van Eyck pinta esta obra-. La Virgen con el niño aparece en actitud relajada, relacionándose con el Santo. El arzobispo también participa en esta conversación. A la vez,esta obra tiene un carácter retratístico, pues el donante (el canónigo) aparece también en la pintura, siendo testigo de la interacción entre los demás personajes o incluso participando, siendo su patrón San Jorge quien le presenta ante la Virgen. Todos los personajes son perfectamente reconocibles. La obra consta de cierta simetría por la disposición de los personajes y las ventanas y arcos de la estancia en la que se encuentran, que se ven en tercer plano. Es la representación de la estancia lo que también dota a esta pintura de profundidad, apareciendo columnas (con capiteles historiados) en distintos planos creando varios espacios. La gama de colores es escasa, predominando los marrones, el rojo y el azul. Dentro de la poca variedad de colores, el uso del óleo permite una gran modulación de un mismo tono, lo que hace que la calidad de la producción sea mayor. Las figuras atienden al canon de la época. Las líneas son finas y los contornos claros, bien definidos. La perspectiva es torpe, porque al autor no le importaba tanto representar el espacio de manera correcta sino buscar el realismo en la representación de otros detalles, como pueden ser la ropa, la luz, las expresiones o los decorados.
Encontramos obras similares en los años posteriores como el Tríptico Frari de Giovanni Bellini,1488; o la Madonna Solothurn de Hans Holbein el Joven,1522.
En la actualidad podemos visitar esta obra en el museo Groeninge de Brujas, ciudad en la que murió el autor.
La Virgen del canónigo , es una pintura gótica realizada en óleo sobre table en 1436 por el pintor Jan Van Eyck. A pesar de algunos elementos del arte románico como los arcos de medio punto que aparecen al fondo de la obra sabemos que es una pintura gótica puesto que posee las características propias de esta como son : la utilización del óleo característica de los Países Bajos , sitio en el cual se sitúa la obra y actualmente en concreto en el museo Groeninge de Brujas, la pintura es mucho más naturalista que en los estilos estudiados anteriormente utilizando la técnica del claroscuro la cual se puede apreciar perfectamente en los ropajes de cualquier personaje de la obra los cuales dan una gran sensación de volumen, además estos ropajes utilizados para vestir a unos personajes que poseen temática religiosa resaltan otras de las características del arte gótico, podríamos hablar también de que podría ser la representación de la Madonna, lo cual son representaciones de la virgen María con el niño Jesús en brazos, otra característica fundamental es la utilización del dorado en la pintura lo cual le da un gran efecto de luminosidad a la misma, además utiliza gran cantidad de colores que le dan vida a la obra los cuales tienen un gran peso simbólico como puede ser el blanco de la túnica de uno de los personajes el cual representa pureza y el cual es la fusión de todos los colores y la presencia absoluta de luz. En este cuadro predominan los rojos y los verdes dando luminosidad y brillo a la obra. Es una obra muy detallada , como podemos observar en La Corona de uno de los personajes. Además,podríamos destacar que es de día no solo por la luminosidad que el autor le da a la obra sino también por la ventana del fondo de la cual entra luz. Esta pintura es una obra realizada a finales de la época del arte gótico en concreto de los primitivos flamencos o de la escuela flamenca ya que además de poseer todas las características del gótico consigue luminosidad, realismo y detallismo propios del renacimiento. Estas obras tienen un aspecto escultórico y cada uno de los personajes que aparecen en el cuadro tienen un aspecto forzado por la falta de movimiento .
El monasterio La Cartuja de Santa María de Miraflores, situado en Burgos y perteneciente a la orden de los monjes cartujos además de contener el Panteón Real de los progenitores de Isabel la Católica, es considerado una joya perteneciente al gótico tardío (finales de el siglo XV). Un elemento muy destacable de este monasterio es el retablo mayor de su iglesia, el cual vemos en la imagen. Este retablo majestuoso de madera policromada, como normalmente eran en el periodo al que pertenece, tiene como autor a Gil de Siloé que es considerado el mejor de los escultores burgaleses de la época. Este vio su trabajo complementado por su taller y por Diego de la Cruz, un pintor hispanoflamenco, que se encargó de la policromía. Esta obra ha sido restaurada, a fondo, entre los años 2006 y 2007. La iconología de este retablo tiene como tema general la glorificación de la Eucaristía, como manifestación que se centra en el sacrificio de Cristo en la Cruz. La parte que más llama la atención , como es lógico, es la parte central del retablo que representa a Cristo crucificado junto al tema de la Pasión y personajes como la Virgen María, San Juan Evangelista, Dios padre y el Espíritu Santo. Otras partes del retablo representan escenas de la vida de Cristo, la vida del santo patrón del municipio de la Iglesia etc. Nos centramos, como se indica en la imagen, en un fragmento situado en la parte inferior de una de las calles del retablo. Aquí está representada la escena de la última cena: Jesús, rodeado por sus discípulos que están sentados alrededor de la mesa, le tiende a Judas, que se encuentra a su derecha, el pan mojado; Judas a la misma vez que está tomando el pan que le da Jesús, sostiene es su otra mano la recompensa que adquiere por la traición que realiza a Jesús; y por último se encuentra María Magdalena ungiendo los pies de Cristo. María Parrado Marcos 5ºF
LA VIRGEN DEL CANÓNIGO En la imagen superior, se ve un cuadro, denominado la virgen del canónigo, “Van der Paele” en neerlandés. Es un óleo sobre tabla pintado en 1436 por Jan van Eyck. Actualmente está expuesto en el Museo Groeninge en Brujas, Bélgica. Pertenece al movimiento artístico gótico. Esta obra se puede considerar un retrato donante ya que la persona que encargó y pagó el trabajo aparece en la obra de arte, que en este caso es el canónigo Van der Paele. Esta obra se le atribuye a la escuela flamenca. Tiene temática religiosa por la virgen, el niño y los santos. Por la capa final de barniz, se crean brillos. Utiliza el óleo que al tener un secado más lento permite corregir errores, conseguir texturas brillantes y superponer diferentes capas. En primer plano se encuentran los dos santos; San Domiciano y San Jorge que está presentando al canónigo que está en el segundo plano, en el tercer plano se encuentran la virgen y el niño. Esta escena está situada en un edificio de características románicas. La composición de esta produce equilibrio, serenidad y naturalismo. La obra presenta colores muy llamativos, como el blanco del canónigo, el rojo de la virgen y el azul de San Domiciano. Hay un foco de luz a nuestra izquierda que ilumina las caras de la virgen y del canónigo. Detrás de la virgen, se puede ver una ventana de la cual también sale luz. Hay volumen ya que los tonos del trono están de tal manera que parece el fondo de la habitación. En este cuadro se ven efectos de profundidad y tridimensionalidad. Jan van Eyck usaba lentes de aumento al realizar sus obras, por eso lograba tanto detallismo, en los bordados o incluso en las letras del libro que se pueden leer. Se pueden ver unas esculturas en el trono donde la virgen está sentada, se ven a Sansón y el león, y a Caín matando a Abel.
LA VIRGEN DEL CANÓNICO DE VAN DER PAELE - JAN VAN EYCK
En primer lugar decir que es una pintura perteneciente al gótico de la escuela flamenca del siglo XV (Países Bajos). Nos percatamos de esto por el gran realismo que presenta la obra. Está hecha con la técnica al óleo, con la que conseguimos una veracidad que podemos comparar con esculturas, e incluso, con obras del Renacimiento. Percibimos un detallismo alucinante que marca una gran evolución respecto a la pintura románica y la pintura gótica italiana de la misma época. La escena presenta a cinco personajes. La figura central es la Virgen María con el niño Jesús sentado en su regazo. Ella tiene una especie de corona de flores que concuerda con el estampado de flores del trono. El niño tiene en una mano un pájaro de color verde, y en la otra, unas florecillas. Claramente el color predominante es el rojo, que representa majestuosidad. Esta gama de colores cálidos en la vestimenta de la Virgen combina con los colores de la alfombra que tiene a los pies. Dicha alfombra presenta muy cuidado el detalle del doblez en el escalón. Justo detrás del trono vemos dos pilares con unas figuras en lo más alto. Las figuras del pilar de la izquierda son Caín y Abel. Y las del pilar de la derecha pueden ser Sansón y el león. Las columnas de detrás tienen capiteles con decoraciones vegetales (corintias). El personaje de la túnica blanca representa a Van Der Paele (el donante de la obra). La utilización del blanco como color principal en la vestimenta hace que destaque. Tiene entre sus manos un libro y una especie de gafas, que a mi parecer, son símbolos de una persona adinerada y culta. También tiene una especie de trapos colgando. El personaje de la derecha del todo representa a un santo. Va vestido con una armadura y sostiene lo que puede ser una bandera. Con la mano derecha sujeta el casco en modo de saludo, que acompaña con la otra mano, y presenta una interacción con el personaje de la izquierda del cuadro. Esta figura también representa a un santo, que en este caso, parece un obispo o sacerdote debido a la vestimenta. Tiene una banda dorada en la que aparecen imágenes de santos. En una mano sujeta un candelabro circular con velas encendidas, y en la otra, un cetro con una cruz en lo más alto. La mayoría de los objetos que aparecen en la pintura tienen un significado o representan algo. Se trata de una temática religiosa en una escena de la vida cotidiana que se desarrolla en lo que puede ser una corte real. Uso de la tercera dimensión, de una amplia gama de colores y del claroscuro. A simple vista está el gran detallismo que es empleado por Van Eyck. Consigue volúmenes y reflejos a través de la aplicación de blanco. Podemos apreciar una clara diferencia entre los rostros de los hombres y el de la Virgen. En el caso de ella vemos que tiene una gran frente, los ojos más pequeños, y probablemente, el vientre abultado. En cambio vemos un mayor detalle en el caso de los hombres, como en las arrugas de la cara.
Estamos delante de la obra de la Virgen del canónigo Van Der Paele, un óleo sobre tabla realizado por uno de los más importantes pintores de la Escuela Flamenca, Jan Van Eyck. Con unas medidas de 122x158 cm, es una de sus obras de mayor tamaño. Cabe destacar que es una pintura que muestra el motivo de la “sagrada conversación”, motivo en el que aparecían la Virgen con el niño, y varios santos con el comitente alrededor de esta, en los que, aunque se denomine conversación, no se muestran hablando, sino callados y con una postura relajada y un gesto cercano entre los personajes, en vez de hieráticos. Se encuentra expuesta en Brujas (Bélgica), misma ciudad donde residía el donante, el canónigo Van Der Paele.
Nos encontramos en la etapa del Gótico, un período de mejora económica para Europa (aunque también aparecen crisis como la peste negra y la Guerra de los Cien Años), ya que hay un crecimiento demográfico junto a un desarrollo en la agricultura y la aparición de la burguesía en las ciudades. Para los artistas aparecieron mecenas y donantes, lo que impulsó el gusto por el arte, y ala vez se fue formando un estilo naturalista y detallista.
Entrando en el cuadro, hemos nombrado antes el género al que pertenecía esta obra, una “sagrada conversación”, en la que hallamos una Virgen con el niño, vestida con un voluminoso manto rojo, y un vestido azul, como es habitual en la representación de la Madonna. A los lados del trono de la Virgen se encuentran, a la izquierda, el arzobispo Donaciano de Reims, patrón de la ciudad y el capítulo de Brujas, a donde pertenecía el mismo donante de esta obra, que aparece al otro lado de la pintura, el canónigo Joris Van Der Paele, vestido de blanco y arrodillado ante la Virgen, con una Biblia en la mando, a modo de oración. A su lado encontramos a su patrón San Jorge, soldado romano convertido en santo, por eso se le representa con armadura. El arzobispo y San Jorge hacen de intermediarios en la “conversación” del canónigo con la Virgen.
El arte Gótico se caracteriza por su abundante simbología, pues todos los detalles de las obras tienen significado, normalmente asociado a la iconografía religiosa, pues se tratan de obras mayoritariamente religiosas. Observamos que el arzobispo tiene en sus manos una rueda con velas encendidas, y un báculo y una rueda con velas encendidas; un ave en medio de la Virgen y el niño, que puede simbolizar al Espíritu Santo; en los brazos del trono de la Virgen se encuentran talladas las figuras de Adán a la izquierda, sobre el que está la imagen del asesinato de Caín a Abel, mientras que en el brazo izquierdo se encuentra Eva, bajo la imagen de Sansón matando al león.
Admiro el detallismo y la notabilísima habilidad del artista para recrear texturas tan diversas. Aunque un error común en el estilo de los primitivos flamencos es la incapacidad de comprender y proporcionar el espacio en cuanto a los personajes. Una pintura que mirar al milímetro llena de interesante simbología.
“Virgen del canónigo Van der Peale “ Observamos frente a nosotros la imagen de una obra de carácter pictórico. La composición, fundamentada sobre un claro perspectivismo que busca enmarcar el conjunto de la escena en una caja ficticia, nos muestra un total de cinco personajes. La figura central, Virgen con Niño entronizada. En el lateral izquierdo, más cercano al espectador, encontramos al arzobispo Donaciano de Reims, patrón del capítulo y de la ciudad de Brujas. Al contario, la parte derecha de la obra representa, por un lado, al personaje por el cual la obra recibe dicho nombre, el canónigo Van der Peale. Delante de él, presentándolo a la Virgen, encontramos a San Jorge mártir. El entorno que los envuelve es de claro carácter eclesiástico. Al igual que las telas, tapices, objetos e incluso los ropajes de los integrantes. De lo anterior, podemos afirmar que la escena que se trata es de carácter religioso. El impresionante trabajo del detalle, junto con la clara intención de una representación naturalista y realista, que se hace a su vez delicada y elegante, (aspectos propios de la pintura al óleo, más detallista y concisa que el temple, y mucho más que el fresco), junto con los colores de las vestimentas, intensos y cargados de simbología, nos permiten manifestar que, frente a nosotros, encontramos una pintura de carácter gótico. Una vez establecía esta relación, procedamos a un análisis más profundo y preciso. “La Virgen del Canónigo Van der Peale”, es una pintura religiosa, de corriente flamenca, realizada en óleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1436. Posé unas dimensiones de 122,1 cm x 157,8 cm. Actualmente se encuentra en el Museo Groeninge, en Brujas, Bélgica. Es una de las cuatro obras de Jan van Eyck conservadas en una colección belga y, después del “Políptico de Gante”, la más grande de las pinturas obras de Jan van Eyck que se conservan. Destaca también, por ser una de las más tempranas en el género sagrada conversación. Es decir, una representación de la Madonna (Virgen con el Niño) acompañada de algunos santos con los que mantiene una relación informal con poses hasta cierto punto relajadas. Como ya he citado anteriormente, se constituye como un cuadro religioso, aunque, al aparecer representado el comitente, lo podemos considerar un retrato. Presentes cinco personajes diferentes, como se establece al inicio del comentario, cada uno presenta unas características determinadas. En el caso de la Virgen, el rojo de su manto, asociado generalmente a la pasión amorosa, simbolizando quizás, la devoción del canónigo hacía la elegida por Dios. El niño que se encuentra sobre su regazo, de cierto aspecto envejecido que bien, podemos asociar a Theotokos, dada esa representación de un Dios adulto. El arzobispo viste da azul y dorado. El azul establece una relación con Dios y el poder, el dorado, es el color divino. En sus manos encontramos dos elementos bien diferenciados. Por un lado, la palma de su mano derecha sostiene una cruz de cinco velas, la cual se relaciona a su martirio, ya que le salvó de morir ahogado. La mano izquierda, sujeta una cruz de oro, transmitiendo el mensaje de 2Dios está entre nosotros”. San Jorge, frente al arzobispo, en el lateral derecho, porta una armadura que aporta gran sensación bidimensional. Sostiene, aunque sin sus manos, su atributo, una bandera con cruz roja. El canónigo, vestido enteramente de blanco, color que representa pureza, quizás la del Reino de los Cielos, intuyendo así, la muerte de este. Se encuentra en actitud de oración y devoto. En sus manos, un libro para realizar la acción anteriormente citada y un instrumento óptico que hace referencia a la riqueza y a la erudición del canónigo. La escena se ubica en arquitectura románica. Y, entre otras características iconológicas, podemos observar el reflejo del mato de la Virgen en la armadura de San Jorge, describiendo a María como “inmaculado espejo de Dios”. Reflejada también en la armadura, la figura del
autor, al igual que sucede con “El matrimonio Arnolfini”, obra a la que puede relacionarse y una de las más representativas del autor. O, los pasajes del Antiguo Testamento que prefiguran la crucifixión y la resurrección de Cristo, tallados en el trono de la Virgen. Las características anteriores nos hacen pensar que posiblemente, la obra, además de carácter religioso, tuviera carácter funerario y se colocara sobre la tumba de Van der Paele. Asombra la impresionante capacidad del autor en la representación de detalles. Así como, la gran carga simbólica que la obra posé. Haciéndola intrigante y espectacular ante los ojos del espectador.
En la imagen superior podemos observar una pintura, en este caso se trata de “la Virgen del canónigo Van Der Paele”, un óleo sobre tabla del pintor flamenco, Jan Van Eyck, realizado en 1436, que actualmente se conserva en el Museo Groeninge en Brujas.
En cuanto al contenido de la obra vemos que es claramente religioso , aunque, también, lo podemos considerar un retrato. Trata un tema iconografico recurrente a partir del Renacimiento, la «conversación sagrada», que consiste en la representación de la Madonna (Virgen con el Niño) rodeada de algunos santos con los que se mantiene una una relación informal en una escena conjunta, también suele aparecer el comitente o donante de la obra, y, a pesar, de que se use el termino “conversación”, los personajes no están hablando, si no en silencio, gozando de la gloria.
En este caso, en concreto, vemos a la Virgen en el centro, que lleva un vestido o túnica azul y un manto rojo, y sobre su regazo sostiene al Niño Jesús. Los otros tres personajes que les acompañan son, de izquierda a derecha, el arzobispo Donaciano de Reim, el canónigo de Van Der Paele y San Jorge; todos ellos situados en una estancia de un edificio de características románicas.
El arzobispo y San Jorge sirven como intermediarios del canónigo a la Virgen, estos dos personajes están representados en la obra ya que ,el arzobispo Donacino es el patrón de la iglesia para la que el canónigo Van Der Paele encargó el cuadro, y, San Jorge, esta representando al propio canónigo, debido a que su nombre es Jorio (Jorge), a través de su santo.
Podemos identificar a los personajes por los atributos que les acompañan, en el caso del arzobispo, la rueda con las cinco velas encendidas , como símbolo de su martirio, en el que fue arrojado al rio y la aparición milagrosa de la rueda lo salvo, también, sujeta una cruz, símbolo de «Cristo está entre nosotros». San Jorge es fácilmente reconocible tanto por la armadura y la espada, como, por la relación de su nombre con el canónigo. Y, por último, Jorio Van Der Paele, reconocible tanto por el realismo de la obra, característico del gótico flamenco, como por su actitud de orante, vestido de blanco, arrodillado y sujetando un libro de oraciones abierto y unos anteojos, que lo sitúan como el comitente de la obra.
Otros aspectos a tener en cuenta en la obra son, el loro que sujeta el Niño Jesús que junto a las flores que sostiene la Virgen actúan como reflejos del paraíso; o, los detalles de las esculturas que decoran el trono y los capiteles con temas referidos al Antiguo Testamento, podemos ver en los reposabrazos la escena de Caín y Abel, y debajo Adán; y la escena de Sansón y el león, con Eva situada debajo; y, en el caso de los capitales, la historia del Sacrificio de Isaac.
Algo curioso en las obras de Van Eyck es la relación que establece entre el lugar en el que se sitúan los personajes y los pasajes bíblicos que usa para decorar el mismo, como podemos apreciar en “la Virgen del canónigo Van Der Paele”. Los estudiosos han probado que cuando el pintor utilizaba una arquitectura románica era para ambientar escenas del Antiguo Testamento, mientras que, para escenas del Nuevo Testamento prefería una arquitectura gótica.
Estamos frente a una fotografía de la Virgen del canónigo Van der Paele, obra del famoso pintor Jan Van Eyck. Fue realizada en oleo sobre tabla, en 1436. Sus dimensiones son bastante intimidantes, 122,1 cm × 157,8 cm, y es de sus obras de mayor tamaño junto al Políptico de Gante. Actualmente podemos presenciar esta pieza en el Museo Groeningeen Brujas (Bélgica).
Este trabajo perteneciente a la escuela flamenca del gótico muestra una clara temática religiosa, en la que se trata uno de los más tempranos ejemplos del género denominado como sacra conversazione (sagrada conversación),una pintura en la que encontramos a la Virgen con el Niño junto con dos o más santos, representados de manera realista, y junto a ellos, a veces, los donantes de la obra, dentro de la misma escena, pero en una posición subordinada. Como he mencionado anteriormente, es un trabajo de tabla al óleo, técnica que surge en este periodo y logra un acabado naturalista y minuciosamente detallado, lo observamos en telas, tapices, rostros… La composición se dispone entorno a la madonna (virgen María, generalmente con el niño Jesús en brazos), nueva tipología que aparece en este movimiento artístico, a la derecha vemos al arzobispo San Donaciano, patrón del capitulo y de la ciudad de Brujas, y a la izquierda de la virgen, está el donante retratado y representado como San Jorge, envejecido, vestido de blanco y arrodillado al trono de la virgen. Tanto Donaciano como Jorge actúan como intermediarios entre el canónigo Van der Paelen y la Virgen. Apreciamos un canon más o menos realista. El colorido es explosivo, por lo tanto aporta una gran luminosidad al conjunto. A la hora de crear volumen el claroscuro tiene un papel importante. El uso del dorado no es tan llamativo como en otras obras de este movimiento, pero aun así es abundante. Se nota que el autor trata de aportar perspectiva a la pintura con diferentes efectos. Los personajes derrochan expresividad, ya que hay un tratamiento individualizado de los rostros (aparece el retrato), pero apenas tienen movimiento. El conjunto pictórico muestra un gusto refinado, delicado y extremadamente elegante.
A menudo las obras estaban cargadas de simbolismo. La rueda con las velas encendidas que lleva san Donaciano se refieren a un milagro de su juventud, pues le salvó de perecer ahogado. En su otra mano lleva una cruz, esto transmite un mensaje de «Cristo está entre nosotros». En el trono de María están tallados pasajes del Antiguo Testamento que prefiguran la crucifixión y la resurrección de Cristo. Y po último el manto rojo de la Virgen se refleja en la brillante armadura de San Jorge. Este reflejo tiene también una alusión simbólica a María como «inmaculado espejo de Dios»
La imagen muestra una pintura realizada por Jan van Eyck, un pintor flamento considerado como uno de los mejores pintores del norte de Europa del siglo XV, y denominada La Virgen del canónigo. Fue realizada en 1436 y pertenece al arte gótico. La obra, de temática religiosa, está realizada en óleo sobre tabla. Las figuras y el resto de elementos, como las ropas y las ventanas, son naturalistas y presentan un gran realismo. En la imagen, aparecen cinco personajes: la Virgen, que se encuentra en el centro de la composición llevando un manto rojo mientras sujeta al niño Jesús, y tres señores que se encuentran a ambos lados de la Virgen creando cierta simetría. Entre esos hombres se encuentran dos santos, uno a cada lado de la Virgen. El que se encuentra a la izquierda de la imagen es el arzobispo Donaciano de Reims, patrón de la ciudad de Brujas, y el de la derecha es San Jorge. Junto a San Jorge se encuentra un canónigo de edad avanzada arrodillado, que es el cliente que mandó la realización del retrato. La obra tiene perspectiva, aunque no muy buena al no utilizar ningún sistema de perspectivas al realizarla. El pintor utiliza muchos colores y tonalidades, posibles gracias a la versatilidad del medio utilizado. La pintura tiene muchos detalles con significado, como el libro de oraciones y el instrumento óptico que lleva el canónigo, que son un símbolo de riqueza y erudición; y las personas muestran un gran expresionismo mientras interactúan entre ellas en una sacra conversacione (sagrada conversación). Al contrario que en la obra del mismo autor realizada en 1435, La Virgen del canciller Rolin, en la que el donante retratado mira directamente a la Virgen, en esta obra, el canónico interactúa con la Virgen utilizando a San Jorge como intermediario. También se diferencia de obras previas, ya que el comitente solía ser retratado con un tamaño menor que el de las figuras sagradas. En un primer momento, la imagen fue probablemente diseñada para tener una función funeraria siendo colocada cerca del sepulcro del donante, función que nunca llego a cumplir. Actualmente se encuentra en el museo Groeninge de Brujas.
En la imagen superior observamos La Virgen del Canónigo Van der Paele, una pintura flamenca-religiosa de la época gótica, realizada en óleo sobre tabla, un estilo muy utilizado, por Jan van Eyck en 1436. La pintura gótica no apareció hasta casi 30 años después del comienzo de la arquitectura o escultura de esta época. Primeramente con un estilo más oscuro y emotivo, la pintura ha ido evolucionando hasta una más realista y naturalista. Refiriéndonos a esta obra en concreto apreciamos un gran naturalismo y detallismo en comparación a las pinturas románicas. Un notado claroscuro entre las figuras y en fondo que crea una sensación de mayor volumen. Los rostros con una expresión delicada y elegante, más cuidadosa que en la época anterior. Una perfecta combinación de colores entre cálidos rojos, en el manto de la virgen que se refleja en la armadura de San Jorge como el “inmaculado espejo de Dios”, la alfombra y las rojizas columnas, frente a un frio azul de la vestimenta de María, como suele ser representada, la túnica del arzobispo y el blanco del ropaje del canónigo Joris Van der Paele. También se utilizan los tonos dorados, normalmente realizados con pan de oro, usado para embellecer elementos como alguna vestimenta, y tonos marrones en el fondo. La luz llega desde las ventanas traseras y se refleja en la cara de las figuras iluminándolas. Podemos apreciar el detallismo también en los pliegues de las telas y la calidad de estos. Toda la obra presenta una temática religiosa, descrita como una sagrada conversación, con una composición equilibrada, presentando a la virgen como centro del cuadro, la Madonna, denominada así al llevar al niño, simbolizando el espíritu santo, en su regazo. Podemos ver representado al propio donante, no de menor tamaño, como solía ser, sino simplemente no dirigiéndose directamente a la virgen, presentado por San Jorge. El canónigo está arrodillado a la izquierda del trono, con un libro de oraciones. En el lado opuesto, vemos al arzobispo, el patrón del capitulo y de la ciudad de Brujas. La pintura gótica presenta un abundante simbolismo, dada la utilización de gran detallismo, y esta no es menos. Cada detalle tiene un sentido simbólico, por ejemplo, la rueda con velas que sostiene el arzobispo Donaciano da a entender un milagro de la juventud ya que, milagrosamente, con la aparición de este objeto se salvó de morir ahogado, y en la otra mano, con una cruz, se quiere dar el mensaje de que “Cristo se encuentra entre nosotros”. Si nos fijamos en el trono de la virgen podemos apreciar, tallados en él, algunos pasajes del Antiguo Testamento que prefiguran la crucifixión y resurrección de Cristo, en concreto Caín matando a Abel y Sansón matando al León, y debajo Adán y Eva respectivamente. El gran realismo de la escena, naturalismo, detallismo, y mucha habilidad del pintor, hacen de esta, una muy buena pintura de uno de los primeros maestros reconocidos de la época gótica.
En la imagen inferior observamos una imagen correspondiente a un elemento escultórico. En concreto, del retablo mayor perteneciente a la Cartuja de Miraflores, en Burgos. Este retablo fue diseñado por Gil de Siloé, el mejor de los escultores burgaleses del siglo XV, entre los años 1496 y 1499. Quien realizó también el Panteón Real de los padres de la Reina Isabel la Católica, Juan II de Castilla e Isabel de Portugal y del infante Don Alfonso que se encuentra también en este monasterio.
Es uno de los retablos más importantes del siglo XV y está considerado una obra maestra del arte español. El material principal usado en este retablo es la madera, concretamente el pino para la estructura y el nogal para las esculturas, y todo ello policromado.
Destaca en el retablo, un gran círculo que recrea en su interior las cuatro escenas de la Pasión, en los ángulos exteriores, los cuatro evangelistas y los padres de la Iglesia y en el centro, destaca Jesús en la cruz. Las calles del cuerpo bajo de este retablo están llenas de escenas relacionadas con la vida de Jesús, concretamente en la parte inferior encontramos la correspondiente a la que se nos señala. La escena representada que observamos es la Última Cena, que refleja dos momentos diferentes: la propia Cena pascual y la Cena en casa de Simón. Los personajes de la escena son Jesús con los doce apóstoles y ungiendo los pies de Cristo bajo la mesa, María Magdalena. En la escena vemos a Jesús como tiende su mano con el pan mojado a Judas, que se encuentra a su derecha, y quién en su otra mano sujeta la bolsa con la recompensa por la traición.
En la imagen superior podemos encortar un cuadro llamado La Virgen del canónigo Va der Paele. Se trata de una obra de estilo gótico flamenco, pintada por Jan van Eyck en 1436 usando la técnica de óleo sobre tabla. Actualmente podemos encontrar esta pintura de carácter religioso expuesta en el museo Groeninge de Brujas, Bélgica.
El carácter religioso de la imagen implica una de las primeras representaciones del género sacra conversazione o sagrada conversación. Este género muestra a la virgen y el niño junto con dos o más santos. E adición a la Virgen y a Jesús niño, los otros personajes encontrados en el cuadro son el canónigo Van der Paele (arrodillado a la izquierda de la virgen, con aspecto envejecido, vestimentas blancas y un libro abierto entre sus manos junto con un objeto parecido a unas gafas), San Jorge (situado al lado de el canónigo, vistiendo una armadura y cargando con un estandarte) y por ultimo el arzobispo Donaciao de Reimis, patrón de la ciudad de brujas.
Cada detalle de la obra esta dotado de un sentido simbólico. La rueda de velas encendidas de Donaciano hace referencia a un milagro de su juventud que le salvo de morir ahogado. La cruz que también el sujeta quiere transmitir el mensaje de «Cristo está entre nosotros». El libro abierto y el aparato óptico que el canónigo sostiene so símbolos tanto de riqueza como de erudición. El trono en l que María se encuentra tiene tallados pasajes del antiguo testamento que anticipan tanto la muerte como la resurrección de Cristo.
En cuanto a la composición del cuadro podemos observar distintas capas creadas gracias a la técnica del óleo. En un primer plano podríamos situar a los dos santos, San Domiciano y San jorge. En un segundo plano se encuentra el canónigo y para finalizar un ultimó plano para la virgen y el niño, consiguiendo así una mayor sensación de profundidad y por lo tanto de realismo. La obra consta mayoritariamente de tonos marrones pero con una baja intensidad, ya que una mayor intensidad es la que reciben ciertos objetos como el rojo brillante de los ropajes de la virgen, el azul brillante del la túnica del arzobispo, la ropa blanca de el canónigo (blanco que también resalta en un pequeño paño sobre el que Jesús esta sentado), o los colores cobrizos utilizados para crear una sensación de brillos e la armadura del santo.
La localización del cuadro puede considerarse un edificio de carácter románico por características como los arcos de medio punto. Hay dos puntos centrales de entrada de luz, una ventana trasera y una ventana que estaría localizada al otro lado del arzobispo, creando unas sombras más marcadas tanto en la ropa como en las caras y el fondo del cuadro.
La pintura estaría destinad a ser colocada cerca de el sepulcro del comitente.
LA VIRGEN DEL CANÓNICO DE VAN DER PAELE:
ResponderEliminarNos encontramos ante una pintura flamenca, evidentemente religiosa, realizada en óleo sobre tabla en 1436. Fue realizada por el pintor Jan Van Eyck y actualmente se encuentra en el museo Groeninge en Brujas, Bélgica.
Al igual que el románico, la temática es religiosa o aristocrática, en este caso la primera, y las figuras visten con ropajes ricos y contemporáneos.
Muchos historiadores afirman que lo que le cuadro quiere representar es una sagrada conversación ya que en el cuadro encontramos a el canónigo Van der Paele arrodillado (donante de la obra), que es presentado a la Virgen María y al niño Jesús por San Jorge a un extremo del trono. En el otro lado encontramos al arzobispo Donacio de Reims que es el patrón del capítulo en el que sucede esta historia y de la ciudad de Brujas. Tanto él como el santo, son intermediarios entre la Virgen y el canónigo. Por esta razón dicen que es una conversación sagrada, además de que la obra tiene muchos detalles con un sentido simbólico teológico.
Podemos ver un colorido explosivo, en el que el color predominante es el marrón en una gran variedad de gamas y tonos que reflejan perfectamente la tridimensionalidad, la perspectiva y la profundidad de la obra. Destaca el color rojo del manto de la Virgen, el azul de la túnica del arzobispo Donacio y la vestimenta blanca del canónigo. Podemos observar mucho detallismo en los objetos y un realismo increíble a la hora de hacer los pliegues de las telas de las vestimentas y de la alfombra y las arrugas faciales del canónigo que demuestran su avanzada edad. Se pueden ver matices blancos que aportan luminosidad y volumen a la pintura.
"es el patrón del capítulo en el que sucede esta historia" Esto me lo tienes que contar bien mañana
EliminarInvestigué sobre la historia del patrón y me aparecían unas cuantas historias de muchos patrones, cada uno en un capítulo del libro. Lo que he querido explicar es que el conjunto de relatos de los patrones y santos es el libro y que cada historia es un capítulo. El fallo es que no lo he explicado con claridad
EliminarEn la imagen superior podemos observar una pintura perteneciente a la época del gótico (pintura flamenca S. XV). En concreto, es la Virgen del canónigo Van der Paele, pintura realizada por Jan van Eyck en 1436.
ResponderEliminarSe trata de una pintura religiosa en óleo sobre tabla. La obra tiene unos colores fuertes que dan sensación de frío y alejamiento al usar tonos azules, pero con el rojo da a su vez una sensación cálida y de acercamiento de la virgen. Sabemos que hay volumen porque nos podemos fijar en el trono y en el entorno como, con una graduación tonal correcta da la sensación de estar al fondo del escenario de la obra. En cuanto a la luz, se podría decir que está entrando por la ventana del fondo de la sala, aparte, se pueden ver los detalles de las sombras en el rostro de los personajes. La composición de la obra está en equilibrio, podemos ver como los personajes están colocados con cierto orden, serenidad y naturalismo, destaca en el rostro de las figuras que requiere una gran precisión en los retratos. Además, Jan van Eyck representa muy bien la gran calidad de las telas, que se plasman con gran brillo y plasticidad.
La escena quizás se desarrolla en un edificio románico, en el ábside de una iglesia. A nuestra derecha aparece el comitente o donante el cual no se dirige directamente a la Virgen sin intermediarios, sino que aparece presentado por un santo, San Jorge, quien se quita con galantería el casco. En el rostro del canónigo envejecido aparece un buen número de patologías como la arteritis temporal, es un ejemplo de lo detallista que puede llegar a ser el pintor. Vestido de blanco, se arrodilla a la izquierda del trono de María. Tiene abierto un libro de oraciones y lleva un instrumento óptico, signo de riqueza, en sus manos. Al otro lado está el arzobispo Donaciano de Reims, patrón de la ciudad de Brujas. Tanto Donaciano como Jorge actúan como intermediarios entre el canónigo Van der Paelen y la Virgen. Debido a esto la pintura es frecuentemente descrita como una sagrada conversación. Entre ellos, y como centro del cuadro, aparece la Virgen, que lleva un manto rojo y tiene al Niño en su regazo.
La rueda con las velas encendidas que lleva san Donaciano se refiere a un milagro de su juventud. En su otra mano lleva una cruz. Se transmite un mensaje de que «Cristo está entre nosotros». En el trono de María están tallados pasajes del Antiguo Testamento. El manto rojo de la Virgen se refleja en la brillante armadura de San Jorge. Este reflejo tiene también una alusión simbólica a María como «inmaculado espejo de Dios».
La pintura probablemente tenía una función funeraria y debía estar destinada a colocarse cerca de la tumba del comitente.
Esta tabla tiene una posición muy particular en la historia de la pintura occidental, al tratarse de uno de los primeros ejemplos del género denominado sacra conversazione (sagrada conversación): una pintura en la que se representa a la Virgen con el Niño junto con dos o más santos, representados de una manera realista como si estuvieran manteniendo una conversación cotidiana; y junto a ellos, a veces, los donantes de la obra, dentro de la misma escena, pero en una posición subordinada, como orantes.
Lo que más me ha llamado la atención de esta pintura es la capacidad del autor para dar ese realismo a toda la composición y como ha cuidado cada detalle de esta.
"están tallados pasajes del Antiguo Testamento" ¿Cuáles?
EliminarA finales del siglo XII las condiciones de vida en Europa cambiaron: la economía mejoró, la población aumentó y las ciudades iniciaron su desarrollo. En el arte, estos cambios supusieron el cambio del Románico al Gótico.
ResponderEliminarLa pintura gótica se caracteriza por la búsqueda de un realismo superior al de los estilos anteriores y la práctica de una técnica poco utilizada hasta la fecha: la pintura a óleo sobre tabla.
Durante los siglos en los que se desarrolló, se fueron diferenciando varios estilos, distinguiéndose fácilmente la pintura realizada en la zona del sur de Italia y la realizada en los Países Bajos y sus proximidades. En el siglo XV destacó un pintor flamenco: Jan van Eyck.
La Virgen del canónigo (Joris) Van der Paele es un óleo sobre tabla realizado por van Eyck que data del año 1436. La temática de la obra es religiosa, al igual que la mayoría de las representaciones artísticas de la época. En el centro de la composición encontramos a la Virgen, en un trono con el niño sentado en su regazo. A la izquierda de la Virgen, aparece un arzobispo, el patrón de la ciudad de Brujas. A la derecha, dos personajes: San Jorge y el canónigo Van der Paele. La Virgen viste un manto rojo, color que representa el amor; en el trono donde se sienta, aparecen dos detalles escultóricos de temática bíblica (Sansón y el león y Caín matando a Abel). El niño aparece desnudo, sobre una tela blanca, color de la pureza. El arzobispo se cubre con un manto azul, color comúnmente asociado a Dios y el poder; decorado con dorado, color divino. Con una mano, sujeta una cruz de oro, con la otra, una rueda con cinco velas encendidas. En el extremo derecho, san Jorge viste una armadura, lleva una espada y su bandera, con la cruz roja sobre el fondo blanco. Entre San Jorge y la Virgen, el canónigo vestido de blanco. Mientras los personajes de los extremos se encuentran de pie, él aparece arrodillado, en actitud de sumisión ante la Virgen. En las manos sostiene un libro de oraciones.
Este cuadro se puede catalogar como un claro ejemplo de lo que será la “sacra conversación” típica del Renacimiento -no hay que olvidar que el Renacimiento en Italia ya había comenzado cuando van Eyck pinta esta obra-. La Virgen con el niño aparece en actitud relajada, relacionándose con el Santo. El arzobispo también participa en esta conversación. A la vez,esta obra tiene un carácter retratístico, pues el donante (el canónigo) aparece también en la pintura, siendo testigo de la interacción entre los demás personajes o incluso participando, siendo su patrón San Jorge quien le presenta ante la Virgen. Todos los personajes son perfectamente reconocibles.
La obra consta de cierta simetría por la disposición de los personajes y las ventanas y arcos de la estancia en la que se encuentran, que se ven en tercer plano. Es la representación de la estancia lo que también dota a esta pintura de profundidad, apareciendo columnas (con capiteles historiados) en distintos planos creando varios espacios.
La gama de colores es escasa, predominando los marrones, el rojo y el azul. Dentro de la poca variedad de colores, el uso del óleo permite una gran modulación de un mismo tono, lo que hace que la calidad de la producción sea mayor.
Las figuras atienden al canon de la época. Las líneas son finas y los contornos claros, bien definidos. La perspectiva es torpe, porque al autor no le importaba tanto representar el espacio de manera correcta sino buscar el realismo en la representación de otros detalles, como pueden ser la ropa, la luz, las expresiones o los decorados.
Encontramos obras similares en los años posteriores como el Tríptico Frari de Giovanni Bellini,1488; o la Madonna Solothurn de Hans Holbein el Joven,1522.
En la actualidad podemos visitar esta obra en el museo Groeninge de Brujas, ciudad en la que murió el autor.
La Virgen del canónigo , es una pintura gótica realizada en óleo sobre table en 1436 por el pintor Jan Van Eyck.
ResponderEliminarA pesar de algunos elementos del arte románico como los arcos de medio punto que aparecen al fondo de la obra sabemos que es una pintura gótica puesto que posee las características propias de esta como son : la utilización del óleo característica de los Países Bajos , sitio en el cual se sitúa la obra y actualmente en concreto en el museo Groeninge de Brujas, la pintura es mucho más naturalista que en los estilos estudiados anteriormente utilizando la técnica del claroscuro la cual se puede apreciar perfectamente en los ropajes de cualquier personaje de la obra los cuales dan una gran sensación de volumen, además estos ropajes utilizados para vestir a unos personajes que poseen temática religiosa resaltan otras de las características del arte gótico, podríamos hablar también de que podría ser la representación de la Madonna, lo cual son representaciones de la virgen María con el niño Jesús en brazos, otra característica fundamental es la utilización del dorado en la pintura lo cual le da un gran efecto de luminosidad a la misma, además utiliza gran cantidad de colores que le dan vida a la obra los cuales tienen un gran peso simbólico como puede ser el blanco de la túnica de uno de los personajes el cual representa pureza y el cual es la fusión de todos los colores y la presencia absoluta de luz. En este cuadro predominan los rojos y los verdes dando luminosidad y brillo a la obra. Es una obra muy detallada , como podemos observar en La Corona de uno de los personajes. Además,podríamos destacar que es de día no solo por la luminosidad que el autor le da a la obra sino también por la ventana del fondo de la cual entra luz.
Esta pintura es una obra realizada a finales de la época del arte gótico en concreto de los primitivos flamencos o de la escuela flamenca ya que además de poseer todas las características del gótico consigue luminosidad, realismo y detallismo propios del renacimiento. Estas obras tienen un aspecto escultórico y cada uno de los personajes que aparecen en el cuadro tienen un aspecto forzado por la falta de movimiento .
El monasterio La Cartuja de Santa María de Miraflores, situado en Burgos y perteneciente a la orden de los monjes cartujos además de contener el Panteón Real de los progenitores de Isabel la Católica, es considerado una joya perteneciente al gótico tardío (finales de el siglo XV). Un elemento muy destacable de este monasterio es el retablo mayor de su iglesia, el cual vemos en la imagen.
ResponderEliminarEste retablo majestuoso de madera policromada, como normalmente eran en el periodo al que pertenece, tiene como autor a Gil de Siloé que es considerado el mejor de los escultores burgaleses de la época. Este vio su trabajo complementado por su taller y por Diego de la Cruz, un pintor hispanoflamenco, que se encargó de la policromía. Esta obra ha sido restaurada, a fondo, entre los años 2006 y 2007.
La iconología de este retablo tiene como tema general la glorificación de la Eucaristía, como manifestación que se centra en el sacrificio de Cristo en la Cruz. La parte que más llama la atención , como es lógico, es la parte central del retablo que representa a Cristo crucificado junto al tema de la Pasión y personajes como la Virgen María, San Juan Evangelista, Dios padre y el Espíritu Santo. Otras partes del retablo representan escenas de la vida de Cristo, la vida del santo patrón del municipio de la Iglesia etc.
Nos centramos, como se indica en la imagen, en un fragmento situado en la parte inferior de una de las calles del retablo. Aquí está representada la escena de la última cena: Jesús, rodeado por sus discípulos que están sentados alrededor de la mesa, le tiende a Judas, que se encuentra a su derecha, el pan mojado; Judas a la misma vez que está tomando el pan que le da Jesús, sostiene es su otra mano la recompensa que adquiere por la traición que realiza a Jesús; y por último se encuentra María Magdalena ungiendo los pies de Cristo.
María Parrado Marcos 5ºF
LA VIRGEN DEL CANÓNIGO
ResponderEliminarEn la imagen superior, se ve un cuadro, denominado la virgen del canónigo, “Van der Paele” en neerlandés. Es un óleo sobre tabla pintado en 1436 por Jan van Eyck. Actualmente está expuesto en el Museo Groeninge en Brujas, Bélgica. Pertenece al movimiento artístico gótico. Esta obra se puede considerar un retrato donante ya que la persona que encargó y pagó el trabajo aparece en la obra de arte, que en este caso es el canónigo Van der Paele. Esta obra se le atribuye a la escuela flamenca.
Tiene temática religiosa por la virgen, el niño y los santos. Por la capa final de barniz, se crean brillos. Utiliza el óleo que al tener un secado más lento permite corregir errores, conseguir texturas brillantes y superponer diferentes capas. En primer plano se encuentran los dos santos; San Domiciano y San Jorge que está presentando al canónigo que está en el segundo plano, en el tercer plano se encuentran la virgen y el niño. Esta escena está situada en un edificio de características románicas. La composición de esta produce equilibrio, serenidad y naturalismo. La obra presenta colores muy llamativos, como el blanco del canónigo, el rojo de la virgen y el azul de San Domiciano. Hay un foco de luz a nuestra izquierda que ilumina las caras de la virgen y del canónigo. Detrás de la virgen, se puede ver una ventana de la cual también sale luz. Hay volumen ya que los tonos del trono están de tal manera que parece el fondo de la habitación. En este cuadro se ven efectos de profundidad y tridimensionalidad. Jan van Eyck usaba lentes de aumento al realizar sus obras, por eso lograba tanto detallismo, en los bordados o incluso en las letras del libro que se pueden leer. Se pueden ver unas esculturas en el trono donde la virgen está sentada, se ven a Sansón y el león, y a Caín matando a Abel.
LA VIRGEN DEL CANÓNICO DE VAN DER PAELE - JAN VAN EYCK
ResponderEliminarEn primer lugar decir que es una pintura perteneciente al gótico de la escuela flamenca del siglo XV (Países Bajos). Nos percatamos de esto por el gran realismo que presenta la obra. Está hecha con la técnica al óleo, con la que conseguimos una veracidad que podemos comparar con esculturas, e incluso, con obras del Renacimiento. Percibimos un detallismo alucinante que marca una gran evolución respecto a la pintura románica y la pintura gótica italiana de la misma época.
La escena presenta a cinco personajes. La figura central es la Virgen María con el niño Jesús sentado en su regazo. Ella tiene una especie de corona de flores que concuerda con el estampado de flores del trono. El niño tiene en una mano un pájaro de color verde, y en la otra, unas florecillas. Claramente el color predominante es el rojo, que representa majestuosidad. Esta gama de colores cálidos en la vestimenta de la Virgen combina con los colores de la alfombra que tiene a los pies. Dicha alfombra presenta muy cuidado el detalle del doblez en el escalón. Justo detrás del trono vemos dos pilares con unas figuras en lo más alto. Las figuras del pilar de la izquierda son Caín y Abel. Y las del pilar de la derecha pueden ser Sansón y el león. Las columnas de detrás tienen capiteles con decoraciones vegetales (corintias). El personaje de la túnica blanca representa a Van Der Paele (el donante de la obra). La utilización del blanco como color principal en la vestimenta hace que destaque. Tiene entre sus manos un libro y una especie de gafas, que a mi parecer, son símbolos de una persona adinerada y culta. También tiene una especie de trapos colgando. El personaje de la derecha del todo representa a un santo. Va vestido con una armadura y sostiene lo que puede ser una bandera. Con la mano derecha sujeta el casco en modo de saludo, que acompaña con la otra mano, y presenta una interacción con el personaje de la izquierda del cuadro. Esta figura también representa a un santo, que en este caso, parece un obispo o sacerdote debido a la vestimenta. Tiene una banda dorada en la que aparecen imágenes de santos. En una mano sujeta un candelabro circular con velas encendidas, y en la otra, un cetro con una cruz en lo más alto.
La mayoría de los objetos que aparecen en la pintura tienen un significado o representan algo. Se trata de una temática religiosa en una escena de la vida cotidiana que se desarrolla en lo que puede ser una corte real.
Uso de la tercera dimensión, de una amplia gama de colores y del claroscuro. A simple vista está el gran detallismo que es empleado por Van Eyck. Consigue volúmenes y reflejos a través de la aplicación de blanco.
Podemos apreciar una clara diferencia entre los rostros de los hombres y el de la Virgen. En el caso de ella vemos que tiene una gran frente, los ojos más pequeños, y probablemente, el vientre abultado. En cambio vemos un mayor detalle en el caso de los hombres, como en las arrugas de la cara.
Estamos delante de la obra de la Virgen del canónigo Van Der Paele, un óleo sobre tabla realizado por uno de los más importantes pintores de la Escuela Flamenca, Jan Van Eyck. Con unas medidas de 122x158 cm, es una de sus obras de mayor tamaño. Cabe destacar que es una pintura que muestra el motivo de la “sagrada conversación”, motivo en el que aparecían la Virgen con el niño, y varios santos con el comitente alrededor de esta, en los que, aunque se denomine conversación, no se muestran hablando, sino callados y con una postura relajada y un gesto cercano entre los personajes, en vez de hieráticos. Se encuentra expuesta en Brujas (Bélgica), misma ciudad donde residía el donante, el canónigo Van Der Paele.
ResponderEliminarNos encontramos en la etapa del Gótico, un período de mejora económica para Europa (aunque también aparecen crisis como la peste negra y la Guerra de los Cien Años), ya que hay un crecimiento demográfico junto a un desarrollo en la agricultura y la aparición de la burguesía en las ciudades. Para los artistas aparecieron mecenas y donantes, lo que impulsó el gusto por el arte, y ala vez se fue formando un estilo naturalista y detallista.
Entrando en el cuadro, hemos nombrado antes el género al que pertenecía esta obra, una “sagrada conversación”, en la que hallamos una Virgen con el niño, vestida con un voluminoso manto rojo, y un vestido azul, como es habitual en la representación de la Madonna. A los lados del trono de la Virgen se encuentran, a la izquierda, el arzobispo Donaciano de Reims, patrón de la ciudad y el capítulo de Brujas, a donde pertenecía el mismo donante de esta obra, que aparece al otro lado de la pintura, el canónigo Joris Van Der Paele, vestido de blanco y arrodillado ante la Virgen, con una Biblia en la mando, a modo de oración. A su lado encontramos a su patrón San Jorge, soldado romano convertido en santo, por eso se le representa con armadura. El arzobispo y San Jorge hacen de intermediarios en la “conversación” del canónigo con la Virgen.
El arte Gótico se caracteriza por su abundante simbología, pues todos los detalles de las obras tienen significado, normalmente asociado a la iconografía religiosa, pues se tratan de obras mayoritariamente religiosas. Observamos que el arzobispo tiene en sus manos una rueda con velas encendidas, y un báculo y una rueda con velas encendidas; un ave en medio de la Virgen y el niño, que puede simbolizar al Espíritu Santo; en los brazos del trono de la Virgen se encuentran talladas las figuras de Adán a la izquierda, sobre el que está la imagen del asesinato de Caín a Abel, mientras que en el brazo izquierdo se encuentra Eva, bajo la imagen de Sansón matando al león.
Admiro el detallismo y la notabilísima habilidad del artista para recrear texturas tan diversas. Aunque un error común en el estilo de los primitivos flamencos es la incapacidad de comprender y proporcionar el espacio en cuanto a los personajes. Una pintura que mirar al milímetro llena de interesante simbología.
“Virgen del canónigo Van der Peale “
ResponderEliminarObservamos frente a nosotros la imagen de una obra de carácter pictórico.
La composición, fundamentada sobre un claro perspectivismo que busca enmarcar el conjunto de la escena en una caja ficticia, nos muestra un total de cinco personajes. La figura central, Virgen con Niño entronizada. En el lateral izquierdo, más cercano al espectador, encontramos al arzobispo Donaciano de Reims, patrón del capítulo y de la ciudad de Brujas. Al contario, la parte derecha de la obra representa, por un lado, al personaje por el cual la obra recibe dicho nombre, el canónigo Van der Peale. Delante de él, presentándolo a la Virgen, encontramos a San Jorge mártir. El entorno que los envuelve es de claro carácter eclesiástico. Al igual que las telas, tapices, objetos e incluso los ropajes de los integrantes. De lo anterior, podemos afirmar que la escena que se trata es de carácter religioso.
El impresionante trabajo del detalle, junto con la clara intención de una representación naturalista y realista, que se hace a su vez delicada y elegante, (aspectos propios de la pintura al óleo, más detallista y concisa que el temple, y mucho más que el fresco), junto con los colores de las vestimentas, intensos y cargados de simbología, nos permiten manifestar que, frente a nosotros, encontramos una pintura de carácter gótico. Una vez establecía esta relación, procedamos a un análisis más profundo y preciso.
“La Virgen del Canónigo Van der Peale”, es una pintura religiosa, de corriente flamenca, realizada en óleo sobre tabla por Jan van Eyck en 1436. Posé unas dimensiones de 122,1 cm x 157,8 cm. Actualmente se encuentra en el Museo Groeninge, en Brujas, Bélgica. Es una de las cuatro obras de Jan van Eyck conservadas en una colección belga y, después del “Políptico de Gante”, la más grande de las pinturas obras de Jan van Eyck que se conservan.
Destaca también, por ser una de las más tempranas en el género sagrada conversación. Es decir, una representación de la Madonna (Virgen con el Niño) acompañada de algunos santos con los que mantiene una relación informal con poses hasta cierto punto relajadas.
Como ya he citado anteriormente, se constituye como un cuadro religioso, aunque, al aparecer representado el comitente, lo podemos considerar un retrato. Presentes cinco personajes diferentes, como se establece al inicio del comentario, cada uno presenta unas características determinadas. En el caso de la Virgen, el rojo de su manto, asociado generalmente a la pasión amorosa, simbolizando quizás, la devoción del canónigo hacía la elegida por Dios. El niño que se encuentra sobre su regazo, de cierto aspecto envejecido que bien, podemos asociar a Theotokos, dada esa representación de un Dios adulto. El arzobispo viste da azul y dorado. El azul establece una relación con Dios y el poder, el dorado, es el color divino. En sus manos encontramos dos elementos bien diferenciados. Por un lado, la palma de su mano derecha sostiene una cruz de cinco velas, la cual se relaciona a su martirio, ya que le salvó de morir ahogado. La mano izquierda, sujeta una cruz de oro, transmitiendo el mensaje de 2Dios está entre nosotros”. San Jorge, frente al arzobispo, en el lateral derecho, porta una armadura que aporta gran sensación bidimensional. Sostiene, aunque sin sus manos, su atributo, una bandera con cruz roja. El canónigo, vestido enteramente de blanco, color que representa pureza, quizás la del Reino de los Cielos, intuyendo así, la muerte de este. Se encuentra en actitud de oración y devoto. En sus manos, un libro para realizar la acción anteriormente citada y un instrumento óptico que hace referencia a la riqueza y a la erudición del canónigo. La escena se ubica en arquitectura románica. Y, entre otras características iconológicas, podemos observar el reflejo del mato de la Virgen en la armadura de San Jorge, describiendo a María como “inmaculado espejo de Dios”. Reflejada también en la armadura, la figura del
autor, al igual que sucede con “El matrimonio Arnolfini”, obra a la que puede relacionarse y una de las más representativas del autor. O, los pasajes del Antiguo Testamento que prefiguran la crucifixión y la resurrección de Cristo, tallados en el trono de la Virgen.
ResponderEliminarLas características anteriores nos hacen pensar que posiblemente, la obra, además de carácter religioso, tuviera carácter funerario y se colocara sobre la tumba de Van der Paele.
Asombra la impresionante capacidad del autor en la representación de detalles. Así como, la gran carga simbólica que la obra posé. Haciéndola intrigante y espectacular ante los ojos del espectador.
LA VIRGEN DEL CANÓNIGO VAN DER PAELE – VAN EYCK
ResponderEliminarEn la imagen superior podemos observar una pintura, en este caso se trata de “la Virgen del canónigo Van Der Paele”, un óleo sobre tabla del pintor flamenco, Jan Van Eyck, realizado en 1436, que actualmente se conserva en el Museo Groeninge en Brujas.
En cuanto al contenido de la obra vemos que es claramente religioso , aunque, también, lo podemos considerar un retrato. Trata un tema iconografico recurrente a partir del Renacimiento, la «conversación sagrada», que consiste en la representación de la Madonna (Virgen con el Niño) rodeada de algunos santos con los que se mantiene una una relación informal en una escena conjunta, también suele aparecer el comitente o donante de la obra, y, a pesar, de que se use el termino “conversación”, los personajes no están hablando, si no en silencio, gozando de la gloria.
En este caso, en concreto, vemos a la Virgen en el centro, que lleva un vestido o túnica azul y un manto rojo, y sobre su regazo sostiene al Niño Jesús. Los otros tres personajes que les acompañan son, de izquierda a derecha, el arzobispo Donaciano de Reim, el canónigo de Van Der Paele y San Jorge; todos ellos situados en una estancia de un edificio de características románicas.
El arzobispo y San Jorge sirven como intermediarios del canónigo a la Virgen, estos dos personajes están representados en la obra ya que ,el arzobispo Donacino es el patrón de la iglesia para la que el canónigo Van Der Paele encargó el cuadro, y, San Jorge, esta representando al propio canónigo, debido a que su nombre es Jorio (Jorge), a través de su santo.
Podemos identificar a los personajes por los atributos que les acompañan, en el caso del arzobispo, la rueda con las cinco velas encendidas , como símbolo de su martirio, en el que fue arrojado al rio y la aparición milagrosa de la rueda lo salvo, también, sujeta una cruz, símbolo de «Cristo está entre nosotros». San Jorge es fácilmente reconocible tanto por la armadura y la espada, como, por la relación de su nombre con el canónigo. Y, por último, Jorio Van Der Paele, reconocible tanto por el realismo de la obra, característico del gótico flamenco, como por su actitud de orante, vestido de blanco, arrodillado y sujetando un libro de oraciones abierto y unos anteojos, que lo sitúan como el comitente de la obra.
Otros aspectos a tener en cuenta en la obra son, el loro que sujeta el Niño Jesús que junto a las flores que sostiene la Virgen actúan como reflejos del paraíso; o, los detalles de las esculturas que decoran el trono y los capiteles con temas referidos al Antiguo Testamento, podemos ver en los reposabrazos la escena de Caín y Abel, y debajo Adán; y la escena de Sansón y el león, con Eva situada debajo; y, en el caso de los capitales, la historia del Sacrificio de Isaac.
Algo curioso en las obras de Van Eyck es la relación que establece entre el lugar en el que se sitúan los personajes y los pasajes bíblicos que usa para decorar el mismo, como podemos apreciar en “la Virgen del canónigo Van Der Paele”. Los estudiosos han probado que cuando el pintor utilizaba una arquitectura románica era para ambientar escenas del Antiguo Testamento, mientras que, para escenas del Nuevo Testamento prefería una arquitectura gótica.
Estamos frente a una fotografía de la Virgen del canónigo Van der Paele, obra del famoso pintor Jan Van Eyck. Fue realizada en oleo sobre tabla, en 1436. Sus dimensiones son bastante intimidantes, 122,1 cm × 157,8 cm, y es de sus obras de mayor tamaño junto al Políptico de Gante. Actualmente podemos presenciar esta pieza en el Museo Groeningeen Brujas (Bélgica).
ResponderEliminarEste trabajo perteneciente a la escuela flamenca del gótico muestra una clara temática religiosa, en la que se trata uno de los más tempranos ejemplos del género denominado como sacra conversazione (sagrada conversación),una pintura en la que encontramos a la Virgen con el Niño junto con dos o más santos, representados de manera realista, y junto a ellos, a veces, los donantes de la obra, dentro de la misma escena, pero en una posición subordinada. Como he mencionado anteriormente, es un trabajo de tabla al óleo, técnica que surge en este periodo y logra un acabado naturalista y minuciosamente detallado, lo observamos en telas, tapices, rostros…
La composición se dispone entorno a la madonna (virgen María, generalmente con el niño Jesús en brazos), nueva tipología que aparece en este movimiento artístico, a la derecha vemos al arzobispo San Donaciano, patrón del capitulo y de la ciudad de Brujas, y a la izquierda de la virgen, está el donante retratado y representado como San Jorge, envejecido, vestido de blanco y arrodillado al trono de la virgen. Tanto Donaciano como Jorge actúan como intermediarios entre el canónigo Van der Paelen y la Virgen.
Apreciamos un canon más o menos realista. El colorido es explosivo, por lo tanto aporta una gran luminosidad al conjunto. A la hora de crear volumen el claroscuro tiene un papel importante. El uso del dorado no es tan llamativo como en otras obras de este movimiento, pero aun así es abundante. Se nota que el autor trata de aportar perspectiva a la pintura con diferentes efectos. Los personajes derrochan expresividad, ya que hay un tratamiento individualizado de los rostros (aparece el retrato), pero apenas tienen movimiento. El conjunto pictórico muestra un gusto refinado, delicado y extremadamente elegante.
A menudo las obras estaban cargadas de simbolismo. La rueda con las velas encendidas que lleva san Donaciano se refieren a un milagro de su juventud, pues le salvó de perecer ahogado. En su otra mano lleva una cruz, esto transmite un mensaje de «Cristo está entre nosotros». En el trono de María están tallados pasajes del Antiguo Testamento que prefiguran la crucifixión y la resurrección de Cristo. Y po último el manto rojo de la Virgen se refleja en la brillante armadura de San Jorge. Este reflejo tiene también una alusión simbólica a María como «inmaculado espejo de Dios»
La imagen muestra una pintura realizada por Jan van Eyck, un pintor flamento considerado como uno de los mejores pintores del norte de Europa del siglo XV, y denominada La Virgen del canónigo. Fue realizada en 1436 y pertenece al arte gótico.
ResponderEliminarLa obra, de temática religiosa, está realizada en óleo sobre tabla. Las figuras y el resto de elementos, como las ropas y las ventanas, son naturalistas y presentan un gran realismo. En la imagen, aparecen cinco personajes: la Virgen, que se encuentra en el centro de la composición llevando un manto rojo mientras sujeta al niño Jesús, y tres señores que se encuentran a ambos lados de la Virgen creando cierta simetría. Entre esos hombres se encuentran dos santos, uno a cada lado de la Virgen. El que se encuentra a la izquierda de la imagen es el arzobispo Donaciano de Reims, patrón de la ciudad de Brujas, y el de la derecha es San Jorge. Junto a San Jorge se encuentra un canónigo de edad avanzada arrodillado, que es el cliente que mandó la realización del retrato. La obra tiene perspectiva, aunque no muy buena al no utilizar ningún sistema de perspectivas al realizarla. El pintor utiliza muchos colores y tonalidades, posibles gracias a la versatilidad del medio utilizado. La pintura tiene muchos detalles con significado, como el libro de oraciones y el instrumento óptico que lleva el canónigo, que son un símbolo de riqueza y erudición; y las personas muestran un gran expresionismo mientras interactúan entre ellas en una sacra conversacione (sagrada conversación).
Al contrario que en la obra del mismo autor realizada en 1435, La Virgen del canciller Rolin, en la que el donante retratado mira directamente a la Virgen, en esta obra, el canónico interactúa con la Virgen utilizando a San Jorge como intermediario. También se diferencia de obras previas, ya que el comitente solía ser retratado con un tamaño menor que el de las figuras sagradas.
En un primer momento, la imagen fue probablemente diseñada para tener una función funeraria siendo colocada cerca del sepulcro del donante, función que nunca llego a cumplir. Actualmente se encuentra en el museo Groeninge de Brujas.
En la imagen superior observamos La Virgen del Canónigo Van der Paele, una pintura flamenca-religiosa de la época gótica, realizada en óleo sobre tabla, un estilo muy utilizado, por Jan van Eyck en 1436.
ResponderEliminarLa pintura gótica no apareció hasta casi 30 años después del comienzo de la arquitectura o escultura de esta época. Primeramente con un estilo más oscuro y emotivo, la pintura ha ido evolucionando hasta una más realista y naturalista.
Refiriéndonos a esta obra en concreto apreciamos un gran naturalismo y detallismo en comparación a las pinturas románicas. Un notado claroscuro entre las figuras y en fondo que crea una sensación de mayor volumen. Los rostros con una expresión delicada y elegante, más cuidadosa que en la época anterior. Una perfecta combinación de colores entre cálidos rojos, en el manto de la virgen que se refleja en la armadura de San Jorge como el “inmaculado espejo de Dios”, la alfombra y las rojizas columnas, frente a un frio azul de la vestimenta de María, como suele ser representada, la túnica del arzobispo y el blanco del ropaje del canónigo Joris Van der Paele. También se utilizan los tonos dorados, normalmente realizados con pan de oro, usado para embellecer elementos como alguna vestimenta, y tonos marrones en el fondo. La luz llega desde las ventanas traseras y se refleja en la cara de las figuras iluminándolas. Podemos apreciar el detallismo también en los pliegues de las telas y la calidad de estos.
Toda la obra presenta una temática religiosa, descrita como una sagrada conversación, con una composición equilibrada, presentando a la virgen como centro del cuadro, la Madonna, denominada así al llevar al niño, simbolizando el espíritu santo, en su regazo. Podemos ver representado al propio donante, no de menor tamaño, como solía ser, sino simplemente no dirigiéndose directamente a la virgen, presentado por San Jorge. El canónigo está arrodillado a la izquierda del trono, con un libro de oraciones. En el lado opuesto, vemos al arzobispo, el patrón del capitulo y de la ciudad de Brujas.
La pintura gótica presenta un abundante simbolismo, dada la utilización de gran detallismo, y esta no es menos. Cada detalle tiene un sentido simbólico, por ejemplo, la rueda con velas que sostiene el arzobispo Donaciano da a entender un milagro de la juventud ya que, milagrosamente, con la aparición de este objeto se salvó de morir ahogado, y en la otra mano, con una cruz, se quiere dar el mensaje de que “Cristo se encuentra entre nosotros”. Si nos fijamos en el trono de la virgen podemos apreciar, tallados en él, algunos pasajes del Antiguo Testamento que prefiguran la crucifixión y resurrección de Cristo, en concreto Caín matando a Abel y Sansón matando al León, y debajo Adán y Eva respectivamente.
El gran realismo de la escena, naturalismo, detallismo, y mucha habilidad del pintor, hacen de esta, una muy buena pintura de uno de los primeros maestros reconocidos de la época gótica.
En la imagen inferior observamos una imagen correspondiente a un elemento escultórico. En concreto, del retablo mayor perteneciente a la Cartuja de Miraflores, en Burgos. Este retablo fue diseñado por Gil de Siloé, el mejor de los escultores burgaleses del siglo XV, entre los años 1496 y 1499. Quien realizó también el Panteón Real de los padres de la Reina Isabel la Católica, Juan II de Castilla e Isabel de Portugal y del infante Don Alfonso que se encuentra también en este monasterio.
ResponderEliminarEs uno de los retablos más importantes del siglo XV y está considerado una obra maestra del arte español. El material principal usado en este retablo es la madera, concretamente el pino para la estructura y el nogal para las esculturas, y todo ello policromado.
Destaca en el retablo, un gran círculo que recrea en su interior las cuatro escenas de la Pasión, en los ángulos exteriores, los cuatro evangelistas y los padres de la Iglesia y en el centro, destaca Jesús en la cruz. Las calles del cuerpo bajo de este retablo están llenas de escenas relacionadas con la vida de Jesús, concretamente en la parte inferior encontramos la correspondiente a la que se nos señala. La escena representada que observamos es la Última Cena, que refleja dos momentos diferentes: la propia Cena pascual y la Cena en casa de Simón. Los personajes de la escena son Jesús con los doce apóstoles y ungiendo los pies de Cristo bajo la mesa, María Magdalena. En la escena vemos a Jesús como tiende su mano con el pan mojado a Judas, que se encuentra a su derecha, y quién en su otra mano sujeta la bolsa con la recompensa por la traición.
En la imagen superior podemos encortar un cuadro llamado La Virgen del canónigo Va der Paele. Se trata de una obra de estilo gótico flamenco, pintada por Jan van Eyck en 1436 usando la técnica de óleo sobre tabla. Actualmente podemos encontrar esta pintura de carácter religioso expuesta en el museo Groeninge de Brujas, Bélgica.
ResponderEliminarEl carácter religioso de la imagen implica una de las primeras representaciones del género sacra conversazione o sagrada conversación. Este género muestra a la virgen y el niño junto con dos o más santos. E adición a la Virgen y a Jesús niño, los otros personajes encontrados en el cuadro son el canónigo Van der Paele (arrodillado a la izquierda de la virgen, con aspecto envejecido, vestimentas blancas y un libro abierto entre sus manos junto con un objeto parecido a unas gafas), San Jorge (situado al lado de el canónigo, vistiendo una armadura y cargando con un estandarte) y por ultimo el arzobispo Donaciao de Reimis, patrón de la ciudad de brujas.
Cada detalle de la obra esta dotado de un sentido simbólico. La rueda de velas encendidas de Donaciano hace referencia a un milagro de su juventud que le salvo de morir ahogado. La cruz que también el sujeta quiere transmitir el mensaje de «Cristo está entre nosotros». El libro abierto y el aparato óptico que el canónigo sostiene so símbolos tanto de riqueza como de erudición. El trono en l que María se encuentra tiene tallados pasajes del antiguo testamento que anticipan tanto la muerte como la resurrección de Cristo.
En cuanto a la composición del cuadro podemos observar distintas capas creadas gracias a la técnica del óleo. En un primer plano podríamos situar a los dos santos, San Domiciano y San jorge. En un segundo plano se encuentra el canónigo y para finalizar un ultimó plano para la virgen y el niño, consiguiendo así una mayor sensación de profundidad y por lo tanto de realismo. La obra consta mayoritariamente de tonos marrones pero con una baja intensidad, ya que una mayor intensidad es la que reciben ciertos objetos como el rojo brillante de los ropajes de la virgen, el azul brillante del la túnica del arzobispo, la ropa blanca de el canónigo (blanco que también resalta en un pequeño paño sobre el que Jesús esta sentado), o los colores cobrizos utilizados para crear una sensación de brillos e la armadura del santo.
La localización del cuadro puede considerarse un edificio de carácter románico por características como los arcos de medio punto. Hay dos puntos centrales de entrada de luz, una ventana trasera y una ventana que estaría localizada al otro lado del arzobispo, creando unas sombras más marcadas tanto en la ropa como en las caras y el fondo del cuadro.
La pintura estaría destinad a ser colocada cerca de el sepulcro del comitente.